Homenaje al inolvidable director y músico «Pedro Ignacio Calderón»

La Orquesta Sinfónica Nacional te invita a disfrutar del concierto Homenaje al inolvidable director y músico Pedro Ignacio Calderón, en una velada con estreno de obras argentinas y composiciones que dejaron su huella en la música occidental, en la Sala Auditorio Nacional. Con la conducción del maestro suizo Emmanuel Siffert y la participación de la soprano Jacqueline Livieri, la Sinfónica Nacional ofrecerá la primera audición en la Argentina de las obras Imagen-Tiempo, para orquesta de Eva García Fernández y A subtle chain (Una cadena sutil) de Alex Nante, además de Estallido Lunar de David Gompper y la Consagración de la Primavera de Igor Stravinsky. Orquesta Sinfónica Nacional Concierto Homenaje al Mtro. Pedro Ignacio Calderón. Viernes 18 de septiembre 20 h Auditorio Nacional La Orquesta Sinfónica Nacional iniciará con Estallido solar y Estallido lunar de David Gompper. Su trayectoria comprende una extensa actividad como pianista, director de orquesta y compositor en Nueva York, San Diego, Londres, Nigeria, Michigan, Texas e Iowa. Estudió en el Royal College of Music de Londres, obtuvo su doctorado en la Universidad de Michigan y fue docente en la Universidad de Texas, Arlington. Desde 1991 es profesor de Composición y director del Center for New Music (Universidad de Iowa). Entre 2002 y 2003, como Becario Fulbright, enseñó, interpretó y dirigió en el Conservatorio de Moscú. En 2009 recibió un premio de la American Academy of Arts and Letters de Nueva York, una Fromm Commission en 2013 y una Beca Guggenheim en 2020. Sus obras Sunburst (Estallido solar, 2014, rev. 2016) y Moonburst (Estallido lunar, 2018) pertenecen a una serie de tres piezas para orquesta que se completa con Starburst (Estallido estelar). Según el sitio del autor, Sunburst, encargada por la Quad City Symphony Orchestra para celebrar su centenario, se basa en una secuencia de fracciones que, ordenadas de forma ascendente, produce un conjunto simétrico de proporciones. Conocida —de manera poco difundida— como la Secuencia de Farey, es la presentación de esas razones en forma de estrella lo que dio origen al carácter formal y expresivo inicial de la pieza: una serie de colores explosivos seguida de una «implosión» suave y sostenida de las ideas armónicas y melódicas principales. La obra fue grabada por la Royal Philharmonic Orchestra de Londres para un lanzamiento de Naxos a comienzos de 2019. Moonburst (2018), la segunda de la serie, refleja las imágenes cambiantes de la noche: en el insomnio, una brisa calma y suave hace susurrar hojas y ramas; el vuelo silencioso de los búhos bajo una luna llena que desborda de luz lechosa; los cantos de apareamiento finales, lejanos pero sostenidos, de las cigarras, todo ello envolviendo a una mente que reflexiona sobre el tiempo pasado. Dice Gompper: «Compuse este movimiento por capas, comenzando con una lenta rotación de la matriz de Sunburst, escuchada de forma espacializada entre las cuerdas al inicio, que sirve de trasfondo y capta el espíritu de Sui Poemi Concentrici de [Salvatore] Sciarrino. Las primeras seis notas del primer movimiento de Pierrot lunaire de Schoenberg («Mondestrunken») aparecen luego en el arpa, seguidas poco después por la melodía principal de Clair de lune de Debussy (presente a lo largo de toda la obra en los vientos y metales). […] todas estas ideas terminan por fundirse en un mashup que ya no admite cita textual. Se han fusionado de manera ineludible, y todos sus elementos surgen ahora de un lenguaje melódico y armónico unificado. La composición, de nueve minutos de duración, se divide aproximadamente en tres secciones desiguales, siendo la sección central la más estática rítmicamente y la más sostenida armónicamente, a través de ondas estacionarias y multifónicos presentes en oboes y fagotes». La obra fue estrenada por Emmanuel Siffert el 27 de julio de 2018 al frente de la Sinfónica de San Juan, y nuevamente interpretada por el maestro suizo junto a la Royal Philharmonic Orchestra en enero del 2019. Alex Nante: A subtle chain (estreno argentino) Alex Nante (Buenos Aires, 1992) es uno de los compositores argentinos jóvenes de mayor trascendencia internacional. Sus obras fueron interpretadas por agrupaciones como la Orquesta Sinfónica Nacional de Argentina, la Filarmónica de Buenos Aires, la Filarmónica de Los Angeles, la Orquesta Nacional de Lille (Francia) y los ensambles Intercontemporain y Musikfabrik, entre otros, con dirección de maestros como Kent Nagano, Gustavo Dudamel o Peter Eötvös. Su obra A subtle chain (2022-2023) es un ciclo de cinco canciones para soprano y orquesta sobre poemas del filósofo trascendentalista estadounidense Ralph Waldo Emerson (1803-1882), y surgió como encargo del Pisar Prize (del que fue ganador), en colaboración con el Théâtre des Champs-Elysées, la Juilliard School y la Villa Albertine. Dedicada a Judith Pisar, tuvo su estreno mundial en abril del 2024 en la mencionada sala parisina, a cargo de la recordada soprano Jodie Devos y la orquesta Les Siècles dirigida por François Xavier Roth. Dice Nante acerca de su obra: «Ciertos elementos poéticos y aspectos del pensamiento emersoniano inspiran el discurso de la obra, como la naturaleza divina del universo y la evolución del alma (III-Naturaleza), la omnipresencia de la música en la vida (II-Música 1 y IV-Música 2) y el concepto de un Dios omnipotente que abarca todos los opuestos (I-Brahma). Pero, sobre todo, Una cadena sutil es un homenaje a la musicalidad inherente a la poesía de Emerson, una música que se abre al misterio y a lo inefable». Eva García Fernández: Imagen-tiempo (estreno argentino) La compositora Eva García Fernández es la autora de Imagen-tiempo, obra para orquesta ganadora del Primer Premio del Concurso de Compositoras Latinoamericanas organizado por la Orquesta Sinfónica del Estado de Sao Paulo, y estrenada en el marco de un concierto de ese elenco en abril del 2024, con dirección de Alexander Liebreich. En palabras de la autora, «Imagen-tiempo es una búsqueda y experimentación en relación al tiempo, que parte del concepto imagen-tiempo del filósofo Gilles Deleuze y, al mismo tiempo, reflexiona en las configuraciones temporales que surgen del scroll. La obra aborda la superposición de diferentes métricas y la relación no cronológica de los materiales con la idea de transmitir el devenir del tiempo en tanto flujo continuo de presentes que se despliegan en una multiplicidad de posibilidades. Es decir, una obra en donde el presente no se sucede al pasado, sino que coexiste con él, y el futuro no es una consecuencia necesaria del presente, sino que se presenta como una posibilidad abierta.[…] La obra presenta diversos materiales disímiles entre sí, sin relación cronológica aparente y, al mismo tiempo, establece relaciones intertextuales con otras músicas, pero las citas no son explícitas, sino que dialoga con los residuos que esas músicas dejaron en la memoria de la compositora, es decir que provienen de un pasado o de un otro virtual; por lo cual la relación se establece con pseudo citas y mistificaciones que actúan como fantasmas. Entre ellos, podemos encontrar elementos texturales que hacen referencia a Grisey y Stravinsky, elementos rítmicos vinculados a Ligeti y la música africana y elementos melódicos propios del jazz». García Fernández es compositora, saxofonista y docente de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires. Licenciada en Música por la Universidad Nacional de Tres de Febrero (UNTREF), con estudios de composición en el Centro de Estudios Avanzados en Música Contemporánea (CEAMC) y Juan Carlos Tolosa, Marcos Franciosi, Gabriel Valverde, Diego Taranto y Antonio Zimmerman. Actualmente enseña en la UNTREF y en el Conservatorio Superior de Música 'Manuel de Falla'. Su producción, que abarca música de cámara y sinfónica, medios mixtos, teatro instrumental, arte sonoro y post-rock instrumental, ha sido interpretada en salas de Argentina y el exterior. Ha recibido importantes reconocimientos nacionales e internacionales. Es también autora de escritos y ensayos sobre compositores contemporáneos argentinos, y desde 2021 desarrolla una faceta de divulgación musical en YouTube, Instagram y TikTok. Igor Stravinsky: La consagración de la primavera El 29 de mayo de 1913, el Teatro de Champs-Élysées de París presenció un escándalo que marcaría un hito en el arte del siglo. Esa noche, los Ballets Russes, la compañía creada por sergei Diaghilev para dar a conocer a Occidente las maravillas de la música, la danza y las artes visuales de Rusia, presentó una nueva obra: La consagración de la primavera, un ballet en dos partes con el que buscaba mostrar los rituales de la Rusia pre-cristiana, con argumento, vestuario y escenografía de Nikolai Roerich, un especialista en la materia, coreografía de Vaslav Nijinsky y música de Igor Stravinsky, el joven músico que había asombrado con sus anteriores creaciones para la compañía: El pájaro de fuego y Petrushka. Las reacciones de los espectadores a una coreografía inédita incluyeron gritos, risas, aullidos y hasta golpes de puño. La obra cosechó un escándalo, algo que Diaghilev, astuto empresario, no solo no temía sino que sabía capitalizar. La fuente de inspiración para sus creadores fueron las fuerzas de la naturaleza, las imágenes gráficas y sonoras de una Rusia remota en tiempo y espacio. El argumento es simple (en una tribu, una doncella es elegida y ofrecida en sacrificio para propiciar la llegada de la primavera y la renovación de la naturaleza), pero su realización resultó absolutamente revolucionaria, en especial en lo musical. Stravinsky llevó más allá de todo lo conocido los conceptos constitutivos de la música: melodía, armonía y ritmo. El comienzo, con una melodía de inspiración folklórica a cargo del fagot en su registro agudo, se va complejizando con la suma del resto de las maderas hasta desembocar en una danza obsesiva y caótica. El desafío rítmico establecido aquí por Stravinsky fue en su momento tan disruptivo que Diaghilev debió buscar ayuda para Nijinsky (Marie Rambert, experta en la rítmica Jacques-Dalcroze, lo asistió, y su testimonio y notas fueron, décadas más tarde, una de las fuentes usadas para reconstruir la coreografía). Las texturas de Stravinsky llevaron la densidad y la estratificación del sonido orquestal a una dimensión inédita, la armonía se desplegó en diversos centros tonales y toda la orquesta se transformó en una maquinaria percusiva y brutal. Al año siguiente de este escándalo inicial, La consagración de la primavera se volvió pieza de concierto, su reputación comenzó a cambiar y su influencia se hizo sentir no solo en los compositores de tradición académica sino en otros géneros. Hoy es imposible pensar la música del siglo XX sin aquel escándalo prodigioso. Orquesta Sinfónica Nacional Director principal invitado: Emmanuel Siffert Soprano invitada: Jacqueline Livieri Programa: 🎵 Eva García Fernández: Imagen- Tiempo, para orquesta – Estreno en Argentina 🎵 David Gompper: Estallido lunar 🎵 Alex Nante: A subtle chain (Una cadena sutil).- Estreno en Argentina 🎵 Igor Stravisnky: Consagración de la Primavera, K015 Acerca de Emmanuel Siffert El director suizo Emmanuel Siffert actualmente es director titular de la Orquesta de Cámara de Chile, (conformada por dobles vientos, dobles metales, cuerdas y percusión), la cual es la única Orquesta oficial del Ministerio de Cultura. También es el principal director invitado de la Orquesta Sinfónica Nacional de Argentina. Colabora regularmente con las máximas instituciones culturales de Argentina como el Teatro Colón, (dirigiendo 12 producciones de ballet), Orquesta Sinfónica Nacional de Argentina, Universidad Católica Buenos Aires (Profesor Invitado para la Clase de Dirección de Orquesta) y el Instituto Superior de Arte del Teatro Colón (Profesor Invitado para la Clase de repertorio de canto de Opera). Ha sido director titular de la Orquesta Sinfónica de Aguascalientes en México, la Orquesta Sinfonica de San Juan en Argentina, la European Chamber Opera de Londres, la Orquesta de Cámara Suiza, Orquesta Sinfónica Aosta en Italia y la Orquesta Sinfónica Nacional de Ecuador. Fue director principal Invitado de la Wales ConcertOrchestra y ha sido director huésped de un gran número de orquestas como la PhilharmoniaOrchestra, Royal Philharmonic, Welsh National Opera, London Mozart Players, RundfunksinfonieorchesterSaarbrücken, BucharestPhilharmonic «George Enescu», Filarmónica de la Ciudad de México, JohannesburgPhilharmonic, ArmenienPhilharmonic, PlzenOperahouseOrchestra, Filarmónica de Gran Canaria, SlowenischePhilharmonie, VolgogradPhilharmonic, Wiener Mozartorchester, Symphonieorchester St.-Gallen, LutoslawskiPhilharmonie Wroclaw, OrchestradellaSvizzera Italiana en Lugano, Berner Symphonieorchester, Rubinstein Philharmony de Lodz, MozarteumorchesterSalzburg, SüdwestdeutschePhilharmonie Konstanz, Bulgarian Symphony, Sinfónica de Aguascalientes, Sinfónica de Michoacán y Sinfónica de Xalapa en México, Cairo Symphony Orchestra, Orquesta Sinfónica Nacional del Perú, Orquesta Sinfónica de Venezuela, Filarmónica de Chile, Izmir State Symphony Orchestra (Turquía) y Filarmónica de Montevideo, entre otras. Su discografía es muy amplia y ha realizado grabaciones con la Royal Philharmonic Orchestra, Bulgarian Symphony Orchestra, Volgograd Philharmonic Orchestra, Swiss Chamber Orchestra, Aosta Symphony Orchestra. También cuenta con grabaciones para la radio con la RundfunksinfonieorchesterSaarbrücken, OrchestradellaSvizzeraItaliana en Lugano y la Swiss Chamber Orchestra. Emmanuel Siffert fue director asistente de la Ópera de St. Gallen en Suiza, bajo la dirección principal de John Neschling hasta 1997; en 1995 participó como tal en el Festival de Ópera de Avenches, en 1998 en el Grand Théâtre de Ginebra bajo la dirección de Armin Jordan, en 2001 en el Teatro Lirico di Cagliari bajo la dirección de Rafael Frübeck de Burgos y en 2001/2002 bajo la dirección de Gerard Korsten, así como en la Opera de Lyon. Ha dirigido el Ballet Nacional Inglés en las temporadas 2003-2004 y 2004-2005 y colaboró con el Royal Ballet Covent Garden en cuatro producciones de ballet. Otras colaboraciones en el campo de la ópera incluyen su participación con la Ópera Valle en Italia desde 2002, la Ópera de Nuremberg, Ópera de Moldavia en Chisinau, Opera de Lima en Perú y con el Instituto Superior de Arte del Teatro Colón en Buenos Aires. Emmanuel Siffert dispone de producciones de CD con la National Symphony Orchestra Of South Africa (2000), Orchestra della Svizzera Italiana (2005), Orquesta Académica de la Alta Escuela de Música de Lausanne (2015) , Bulgarian Symphony Orchestra (2005), Orchestra Filarmonica di Volgograd (2005, 2006, 2007), la Royal Philharmonic Orchestra (2006/ 2010/2017), Orchestra de Camera della Svizzera (2001/2003/2010), Sinfonica d'Aosta (2002/2003, 2004, 2006), La Consorterie (1997), Orchestre de Chambre de Fribourg (1994). Otras actividades del maestro Siffert incluyen seminarios de dirección en Europa y Latinoamérica y dirigiendo para diferentes Academias de Ópera de verano en Europa. Es jefe artístico y director del proyecto Swiss Symphonic and Opera composers para la grabación y publicación de partituras de obras orquestales de compositores suizos en colaboración para la casa discográfica VDE-GALLO. Dentro de su discografía se encuentran también grabaciones de compositores suizos en colaboración con la casa discográfica CLAVES. Fue director musical en la Wales International Academy Of Voice (Saturday Academy) en Cardiff de 2012-2015. Es creador del método de Dirección de Orquesta Approachtoconducting (www.approachtoconducting.com) Emmanuel Siffert imparte regularmente clases magistrales de Dirección de Orquesta y ha sido invitado como profesor en importantes escuelas y conservatorios, entre los que destacan el Royal College of Music en Londres y en el Conservatorio de Música de China en Beijing. Emmanuel Siffert fue ganador del Premio al Mejor Director en el Concurso SchweizerischenTonkünstlerverein» en los años de 1993 y 1995. Sus estudios de dirección los realizó con los maestros Horst Stein, Ralf Weikert, Jorma Panula y Carlo María Giulini. Estudió violín en Salzburgo, bajo la tutela del Profesor Sandor Végh y participó como violinista con la Camerata Académica de Salzburgo desde 1989 hasta 1994. Acerca de Jacquelina Livieri Jaquelina Livieri es reconocida actualmente como la soprano más destacada de la Argentina. Soprano lírica, nacida en Rosario y con nacionalidad ítalo-argentina, se graduó en el Instituto Superior de Artes del Teatro Colón. Canta regularmente en el Teatro Colon de Argentina, el Teatro Solis y el Sodre de Uruguay, el Palacio das Artes de Belo Horizonte y el Teatro Municipal de Sao Paulo en Brasil, el Teatro Municipal de Chile, el Gran Teatro Nacional y el Teatro Municipal de Lima en Perú. Como también en el Teatro Real de Madrid, el Teatro Campoamor de Oviedo, el Auditorio de Tenerife en España, el Teatro Comunale de Modena, el Teatro Municipal de Piacenza, el Teatro Dante Alighieri de Ravenna y el Teatro Amintori Galli de Rimini en Italia. También ha cantado en la Welsh National Opera de Reino Unido y en el Nanjing Forest Festival Music de China. Galardonada en numerosos certámenes, destaca su participación en el Festival Internacional de Canto Lírico Ciudad de Trujillo (Perú), el Festival Internacional de Canto Lírico Laguna Mágica (Chile), el Concurso Internacional de Canto del Teatro Colón (Argentina), el Concurso Nacional de Canto Lírico Enrique R. Francovigh (Argentina) y la Competizione Dell'Opera de Linz (Austria). Entre los numerosos papeles protagónicos que ha abordado se encuentran Violetta (La Traviata), Liu (Turandot), Micaela (Carmen), Nedda (Pagliacci), Pamina (Die Zauberflöte), Mimi (La Bohème), Adina (elisir d'amore), Norina (Don Pasquale), Fiordiligi (Così fan tutte), Adele (Le comte Ory), Lauretta (Gianni Schicchi), Amelia (Simon Boccanegra), Giulietta (Capuleti e i Montecchi), JUliette (Roméo et Juliette), entre otros. En las próximas temporadas retornará al Teatro Real de Madrid, al Teatro Colón de Buenos Aires y hará su debut en el Teatro Comunale de Ferrara en Italia y en la Bayerische Staatsoper en Munich, Alemania. Acerca de Orquesta Sinfónica Nacional Fue fundada el 20 de noviembre de 1948, y su primer concierto fue dirigido por Roberto Kinsky, en el Teatro Colón de la ciudad de Buenos Aires, el 30 de noviembre de 1949. Entre los objetivos sobre los que se asienta su actividad, y cumple desde su creación, se encuentran: la promoción de directores, solistas y compositores argentinos. Completan estos criterios fundamentales, el compromiso permanente de difusión de la música sinfónica, en los más importantes teatros, centros culturales y, en los pequeños auditorios que se extienden por todas las regiones del país. Su sede es el actual Centro Cultural Domingo Faustino Sarmiento – Palacio Libertad. La Orquesta Sinfónica Nacional fue la protagonista principal de la velada musical de inauguración del Auditorio Nacional, y desde entonces desarrolla su Ciclo Principal de Conciertos, en la impactante arquitectura contenedora de su residencia. En sus 77 años de historia, los directores titulares fueron; Roberto Kinsky, Juan José Castro, Víctor Tevah, Simón Blech, Teodoro Fuchs, Juan Carlos Zorzi, Jacques Bodmer, Bruno D'Astoli, Jorge Rotter, Jorge Fontenla y Pedro Ignacio Calderón. Grandes personalidades artísticas la han conducido, como: Erich Kleiber, Sergiu Celibidache, Rudolf Kempe, Georg Solti, Igor Stravinsky, Aram Katchaturian, Heitor Villa- Lobos, Frank Martin, Krzysztof Penderecki, Pau Casals, Igor Markevitch, Hermann Scherchen, Antal Dorati, Malcolm Sargent, Ernest Ansermet, Zubin Metha, Kurt Masur, Steuart Bedford, Jean Fournet, Franz-Paul Decker, Félix Prohaska, Paul Klecki, Willem Van Otterloo, Hans Rosbaud, Pierre Monteux y Charles Dutoit. En sus Temporadas de Conciertos, participaron notables solistas internacionales, entre ellos: Arthur Rubinstein, György Sandor, Henryk Szeryng, Witold Malcuzynski, Alexander Borovsky, Rudolf Firkusny, Pierre Fournier, Nikita Magalov, Antonio Janigro, Ruggiero Ricci, Philippe Entremont, Alfredo Kraus, Uto Ughi, Ana Chumachenco, Daniel Barenboim, Martha Argerich, Bruno Gelber, Nelson Freire, Nicolás Chumachenco y Schlomo Mintz. Ha recorrido y ofrecido presentaciones en todas las provincias del país. En Sudamérica se destacan los conciertos realizados en Uruguay, Chile y Brasil, que despertaron enorme interés en el público y recibieron una cálida acogida en cada una de sus presentaciones. Sus giras de conciertos en Europa, Japón y EEUU, tuvieron un gran repercusión, fue acompañada por la presencia masiva del público, y cosecharon elogiosas críticas de los medios especializados. Arribó por primera vez a España, en el año 1991 y actuó en sus principales ciudades. En 1998 realizó una extensa Tournée por Japón, junto a la pianista Martha Argerich, culminando con un concierto en Los Ángeles, Estados Unidos. Al comienzo del 'Nuevo Milenio', fue invitada y distinguida como única representante de Latinoamérica, en la XVI° Edición del Festival de Canarias 'De los Cinco Continentes' y se presentó en una serie de conciertos en el archipiélago canario, compartiendo escenario con las más destacadas orquestas sinfónicas del mundo. No faltaron, en diversos momentos de su historia, la participación en 'eventos de masas' como las actuaciones realizadas en el estadio de fútbol de Vélez Sarsfield y en el estadio de boxeo 'Luna Park'. Durante los festejos del Bicentenario de la Revolución de Mayo, frente al emblemático Obelisco de Buenos Aires, brindó un mega concierto ante la presencia estimada en más de 100 mil personas. Fue reconocida por la Asociación de Críticos Musicales del país, como la mejor orquesta argentina en 1996, 2000, 2002, 2023, 2024 distinguida con el Diploma al Mérito por la Fundación Konex (1989 y 1999) y galardonada como la 'Orquesta de la trayectoria más significativa de la Década', al otorgarle el Gran Jurado de la Fundación, el Premio Konex de Platino en 2019, por el rol de difusión de las grandes obras del repertorio universal del Siglo XX y XXI presentadas en primera audición en el país, los estrenos permanentes de obras de compositores argentinos, que integraron su programación, y fundamentalmente por la excelencia artística de sus interpretaciones. En la actualidad, está abocada a consolidar el rol de una institución sinfónica moderna, realizando una serie de acciones articuladas con el objetivo de generar, en torno suyo, el campo discursivo que sustente el proceso de vitalidad y pujanza de su función, para afrontar los desafíos comunicacionales que formula el Siglo XXI. A partir de la Temporada 2025, inicia la edificación de un espacio permanente de registración, en formato audio y audiovisual, de las obras más significativas de los compositores de música sinfónica de nuestro país, que a su vez contempla la posterior difusión pública a todo el país, por medio de las diversas plataformas y medios digitales de comunicación. En el marco de su nuevo rol institucional educativo, viene diseñando diversas ofertas de servicios académicos, como el dictado anual del Seminario Internacional de Dirección Orquestal; la realización de Masterclass y la exploración de nuevos horizontes didácticos en acto, a través de las singulares 'Tutorías Orquestales', cuyas lecturas críticas de obras de jóvenes compositores argentinos, les proporcionan nuevas herramientas para consolidar su desarrollo profesional. La estructura de la programación se completa, por medio del establecimiento de una matriz organizadora de contenidos que aborda los núcleos temáticos y facilita la mediación de las audiencias: 'Grandes obras del repertorio universal'; 'Espacio Sinfónico Coral'; 'Directores Nóveles'; 'La Sinfónica Contemporánea'; 'Producciones Audiovisuales' y un capítulo dedicado a la generación de 'Nuevos Públicos', en una aproximación didáctica destinada a alumnos de nivel primario y secundario que visitan por primera vez el Auditorio Nacional. La Orquesta Sinfónica Nacional depende de la Dirección Nacional de Elencos Estables – Secretaría de Cultura de la Nación. Desde el año 2015 hasta su fallecimiento, el Maestro Pedro Ignacio Calderón supo ser su Director Emérito y el Maestro Emmanuel Siffert, actualmente es su Director Principal Invitado. Fuente: Presidencia de la Nación. Secretaría de Cultura de la Nación. Dirección Nacional de Elencos Estables María Laura Escobar. Prensa y Comunicación.